La Belle Gemma et son fameux mini short

Longue Pause. Travail, vacances, difficile reprise après la fin de Lost (passés très proche de l’état dépressif avancé). Beaucoup de temps passé au cinéma dernièrement. Et un film qui m’a profondément réjoui hier soir.

Lorsque l’on m’a proposé d’aller voir Tamara Drewe, j’avoue que j’ai eu un moment d’hésitation. Un film de Stephen Frears, qui se voudrait une comédie, apprécié par Télérama. Cela sentait le film où l’on pique du nez rapidement alors qu’une assemblée plutôt âgée rigole goguenarde aux blagues des deux héros.

J’ai répliqué sur le ton de la plaisanterie que 2h de films avec Gemma Aterton en mini short ne pouvaient être déplaisante. Bien m’en a pris. Ce film est un véritable petit bijou de l’été. Une perle.

Stephen Frears signe ici une belle et cocasse comédie britannique, en sublimant un style un peu ringard par des plans magnifiques et une histoire qui confine souvent à l’absurde. C’est simple, le rire était présent pendant la quasi-totalité de la séance. Presque chaque plan est une réussite. Cela reste léger, cela reste simple (on est loin de la complexité cinématographique), mais cela est diablement efficace.

Tout d’abord l’intrigue. Un village paumé dans la campagne anglaise. Une bande d’écrivains plus ou moins râtés qui prennent résidence pour écrire leur prose. Un jardinier qui semble plus souvent montrer ses pectoraux au soleil que travailler. Et Tamara Drewe. La pénétrante et intriguante Tamara Drewe. De retour au pays, après avoir lancé sa carrière de journaliste. Avec un détail qui change, elle s’est fait refaire le nez.

Amourettes et amours perdus. Trahisons, séductions et sentiments dissimulés. Tout est bon pour nous faire rire. Tamara Drewe, avec son nez refait, est tout simplement parfaite. Le jardinier lui rappellera d’ailleurs qu’il lui suffit de battre des cils. Et c’est ce qu’elle fera, pas toujours à bon escient.

Les personnages et le cadre ressemblent à s’y méprendre à ceux d’un vieux policier anglais. Sauf qu’en guise de cadavre, on retrouve Tamara et ses conquêtes, son passé trouble. Pour rendre joyeux tout ce petit monde, Stephen Frears introduit des éléments de pure comédie comme le batteur déjanté, l’écrivain américain en mal d’inspiration et surtout les deux petites chipies du village vivant par la procuration des magazines l’effervescence de la ville.

Acidulé, comme un bonbon, cette comédie se déguste juste fraîche, après une terrasse parisienne. Elle coule doucement vous entraînant dans un monde presque imaginaire ou la superficialité et l’absurde l’emportent.

Il y a deux semaines s’achevait la troisième année des aventures de B, S, N, Chuck et les autres. Trois ans à écouter ce même générique qui nous murmure les secrets les plus intimes de l’Upper East Side.

En tant que midinette non affirmée, j’ai regardé bien sagement la plupart de cette saison d’un coup, la semaine passée. Et malgré une inculture totale dans le monde de la mode (si bien que même étant Français, on s’aperçoit qu’on ne sait pas immédiatement ce que signifie Y.S.L.), on s’accroche assez vite à cette histoire pourtant très cliché de la jeunesse dorée new yorkaise.

Le jeunesse dorée est un mythe et une histoire absolument géniale pour toute série adolescente. Avec eux on peut traiter des sujets qui nous concernent tous (les relations, les secrets, les amitiés) et plus particulièrement les ados ou vieux enfants (le passage à l’âge adulte, le choix de la raison, le grain de folie) sans jamais se poser aucune question de réalisme, ou même de budget. Dans Gossip Girl, les factures de téléphone se chiffrent avec plusieurs 0, les voyages ont toujours lieu en voiture privée ou en hélicoptère, ca ne choque personne, c’est drôle, on adore.

Et puis Gossip Girl c’est le choix totalement assumé d’une trame scénaristique tellement fine qu’on peut la manipuler dans tous les sens. Pas d’arcs de très longues durée, aucune situation annoncée n’est définitive, aucune émotion ou sentiment ne peut durer plus de deux épisodes. Tout va vite, tout est instantanée, comme l’est cette génération accroc à Facebook, Twitter et Gossip Girl. On notera que pour le petit ami geek, tout est là. Les ordinateurs sont toujours les derniers disponibles, on évoque même Google Latitude et on emploie le verbe « to bing ». Autant dire que le parent réfractaire à la technologie va se sentir perdu vite fait.

Comme toute bonne série pour adolescent, les parents occupent une place importante. Ils rappellent sans cesse qu’ils ne sont que de grands enfants, avec leurs problèmes de couple. Mais simplement eux se doivent d’avoir des réactions raisonnables et raisonnées, et en particulier d’insuffler un peu de morale quand tout part dans le décor.

Je ne voudrais pas dévoiler les secrets de cette saison 3, mais signalons quelques points. On a droit à du duel politique à l’américaine, à une apparition très longue durée de Hilary Duff (ah Lizzie McGuire, que tu m’avais manqué), à l’apparition express de Willa Holland (Kaitlin ! Kaitlin ! Kaitlin !), à du « Bitch », à de la cuisine polonaise, à des plans à trois, et même à des faux méchants gentils docteurs.

Rien que pour Hillary et Willa j’en redemande.

J’avoue pour ceux qui me connaissent que je dois confesser un petit air de Nate Archibald (Chace Crawford), toutjours aussi chevaleresque. Certes, il n’a pas la carrure de son meilleur ami Chuck (Ed Westwikck), mais il est pas si mal non.

Côté filles, Blair (Leigthon Meester) et Serena (Blake Lively) sont toujours superbes. Parfois sottes, nunuches, mais superbes. Mention spéciale à Jenny Humphrey (Taylor Momsen) qui nous quitte quelques temps pour aller pousser la chansonnette avec les Pretty Reckless (on les a entendu sur la BO de Kick Ass).

Les autres sont très sympathiques mais souvent inutiles.

XOXO Gossip Girl

Voilà, c’est fini. Dimanche matin pour nous pauvres européens, la saga Lost a tiré le rideau, pour la dernière fois. Pas d’attente frénétique en vue d’une saison à venir. Mais aussi des manques, des vides, des questions qui resteront à jamais irrésolues. Sentiment mitigé. Certains poussent des cris d’orfraie, crient au scandale et demandent des explications.

Mais Lost est une série entière dont il faut accepter les tourments et les défauts pour profiter du plaisir qu’elle procure. Attention, on va SPOILER.

Lorsque l’épisode s’est terminé, j’ai cru comme beaucoup que l’on s’était légèrement moqué de moi. Une partie du final tourne au mauvais Indiana Jones avec son temple caché, la seconde est une métaphore religieuse pleine de vide ou plutôt de faux sens.

Bien évidemment, j’ai versé ma petite larme lors des nombreuses scènes de réunion. Comme beaucoup j’étais heureux de revoir Juliette, bien que cela semblait tellement joué d’avance. Et Charlotte est toujours aussi belle. Et Charlie est vraiment génial. Et Desmond est tout simplement un dieu vivant.

Mais j’avais l’impression d’être un orphelin délaissé. Aucune vraie réponse aux questions que l’on s’est posée pendant tant d’années.

Quelques heures ont passé depuis ma déception. Et je dois dire que je suis sur le point de changer totalement d’avis. Malgré des scores d’audience un peu bas, malgré un buzz qui finalement n’a pas eu d’effet gigantesque, les créateurs de cette série ont réussi un coup de génie. Cet épisode est de loin une des meilleures conclusion que l’on pouvait donner. Attention, cela mérite quelques éclaircissements qui apparaîtront par la suite.

Les deux questions qui ont dirigé Lost depuis ses débuts (je parle des premiers épisodes de la saison 1) sont déterminisme/libre arbitre et science/foi. C’est le coeur de l’équation, l’épicentre vers quoi tout est tourné. Certains sont contraints, par leur passé, par les événements, à suivre certaines voies. D’autres font tout pour en sortir, avec ou sans succès. L’île nous a montré cela de toutes les façons possibles.

Les autres questions ne sont que des lubies, des intérêts passagers, et finalement, lorsque l’on se pose quelques instants et que l’on réfléchit, on voit qu’il y a un sens qui parcourt l’histoire. Ce n’est pas aussi linéaire et explicatif que Les Experts, mais cela existe et crée une trame cohérente. Je pense qu’il y a peu de doute à avoir sur la provenance des ours polaires, ou le sens des fameux chiffres, ces réponses existent et ne nécessitent pas des minutes de dialogues inutiles (genre Jack qui demande Flocke : au fait, avant de détruire l’île, d’où viennent les Ours Polaires ? Alors fiston, les ours ont été…).

Cet épisode final répond donc à la question qu’il s’est toujours posé. De plus, certaines intrigues secondaires ont montré leurs défauts dès leur apparition. On voit que le mystère des naissances sur l’île est bancal depuis longtemps. On devrait le rattacher à l’électromagnétisme de l’île mais c’est faible. Et finalement mieux vaut le laisser de côté.

Pour revenir aux dernières minutes du dernier épisode. Je ne suis clairement pas convaincu ni satisfait, mais je dois avouer que l’ensemble est cohérent. Il forme une belle histoire que l’on pourra se remémorer au coin du feu. C’est le final des héros, mâtinée d’une bonne dose de théologie de comptoir. Peu intéressant, mais émouvant et fonctionnel. Puis la théorie de la mort peu expliquée est finalement très bien. Elle est digne des fans de Lost qui passeront comme moi les deux prochaines années à se demander comment Hugo et Ben ont régi l’île. On se demandera ce qu’a bien pu devenir Richard. Ou encore si Claire et Kate ont pu élever Aaron.

Les gens veulent souvent des explications simples. Mais rien n’est simple à expliquer. Et souvent d’ailleurs, les solutions affadissent l’ensemble de l’oeuvre. Je suis sûr que n’importe quelle théorie fumeuse sur l’origine exacte de l’île aurait brisé tout le mystère nécessaire à sa crédibilité et sa réalité.

Merci Lost.

L'affiche du film

Samedi, début d’après-midi. Moment difficile. Les vapeurs de la soirée se dégagent petit à petit. Le cerveau est encore juste assez embrumé pour faire une bêtise, une étourderie. Et là, sur un coup de tête, cherchant une excuse pour prendre un gros seau de pop-corn, je choisis d’aller voir le dernier film de Matthew Vaughn. Je ne l’ai vraiment pas regretté.

Kick Ass se présente comme un film de super-héros. En mieux. Proposant une vision extrêmement nouvelle et fraîche de la chose, il invite tout le monde dans la danse. Sans être un film pour enfant, il suffit d’avoir gardé au fond de soi, cette âme de jeune, parfois rebelle, parfois soumis dans un monde inadapté. Kick Ass est à ce jour un des films de geek les plus réussis.

Le constat, vous l’aurez compris, est sans appel. Kick Ass est une réussite. Tout s’enchaîne avec un rythme impressionnant, et on en prend plein les mirettes pendant deux pleines heures. Tant et si bien qu’à la fin du film on serait même tenté d’en reprendre une petite louchette. Bien évidemment, on aura tous des points que l’on veut améliorer, tous des scènes que l’on voudrait plus courtes, plus longues, mais au fond on est tous fan de Kick Ass.

Le renouveau de Spiderman

Kick Ass est un hommage aux super héros. Et on compte nombre de mini-références à tout ce qui a pu exister dans les comics de référence. Mais le personnage qui vient à l’esprit lorsque l’on parle de Kick Ass est sûrement Spiderman.

Kick Ass dans sa chambre d'ado

Dave Lizewski, interprétée par Aaron Johnson, est l’ado geek typique de n’importe quel collège. Lecteur de comics mais timide avec les filles. Comme pas mal d’ados finalement. Et un jour une idée de génie le traverse.

Pourquoi, alors que les comics existe depuis des années, personne n’enfile de costume pour aller lutter contre le crime ?

I can Kick your Ass

On aurait pu lui dire que Gotham City n’a visiblement pas vu son nombre de freaks diminuer avec l’apparition d’un type en cape, mais on ne l’a pas fait. Il devient Kick Ass, un super héros à l’identité secrète, sans aucun pouvoir, mais qui s’occupera désormais des criminels. Les parallèles avec Spiderman sont nombreux tout au long de la création de ce personnage. La principale différence, vous l’aurez noté, étant l’absence de pouvoirs.

Du gros n’importe quoi, mais avec délicatesse

Les choses changent lorsque l’on comprend que Kick Ass n’est pas le seul héros masqué qui traîne en ville (New-York, pour être précis). Et que l’on comprend qu’à cette histoire est mêlé un dealer de drogue ainsi que plusieurs policiers véreux. Et petit à petit l’histoire de Kick Ass qui semblait simplement le fantasme imagé de plein d’adolescent perdus devient un film détonnant où violence et rose fluo font bon ménage.

Pour tous ceux qui ont vu les bandes annonces, il faut noter l’importance de Hit-Girl, une fillette de 12 ans qui déménage tout. «Okay you cunts, let’s see what you can do now ». Elle est interprétée par Chloë Grace Moretz, une actrice qu’on reverra sûrement.

Pas si philosophique

Kick Ass n’est pas un film moraliste. Et bien évidemment, Kick Ass sort avec la plus belle fille du lycée, Katie Deauxma, jouée par la très jolie Lindsy Fonseca (vue dans Desperate Housewives et How I Met Your Mother).

On comptera également la présence de Christopher Mintz-Plasse, le héros de Superbad. Nicolas Cage est aussi de la partie, mais le rôle qu’il joue est peu présent et son interprétation ne restera sûrement pas dans les mémoires.

Si vous n’avez pas vu Kick Ass, courrez. C’est vraiment bien !

Vers le gouffre

Disney décide de reprendre une de ses plus belles histoires et ne lésine pas sur les moyens. Tournage en 3D, Tim Burton à la réalisation, Johnny Depp et Helena Bonham Carter sont au casting. Mais le résultat est très mitigé, triste parfois, alors qu’Alice restera toujours dans nos cœurs.

Alice au pays des merveilles est une histoire qui a depuis longtemps dépassé son auteur. Lewis Carroll a réussit à concentrer dans ce symbole du roman pour enfants de l’époque victorienne, une vision de la logique et du passage à l’âge adulte qui hante encore les mémoires. Le pays des merveilles, avec sa magie et son absurdité, possède un rôle d’apprentissage tout à fait passionnant.

En reprenant cette histoire déjà adaptée dans les années 50, Disney fait un double pari. Elle s’engage pleinement sur la voie de la 3D et revient à des histoires plus adultes, qui ne sont plus seulement destinées au très jeune public. Alice au pays des merveilles n’a jamais été une vraie histoire pour enfants. Le pari n’est qu’à moitié réussi et Tim Burton semble s’être bien trop compromis dans cette affaire.

Un univers graphique époustouflant

Vous aurez compris que cette nouvelle vision burtonienne d’Alice ne m’a pas totalement enchanté. Mais rendons cependant hommage aux réussites de ce film. Et s’il est quelque chose de réussi dans cette œuvre c’est bien son univers graphique.

Le monde réel est victorien, symétrique, juste assez coloré, un modèle de perfection anglaise. Le pays des merveilles est un fabuleux mélange de rêve, de couleur et de désolation. On retrouve là une vision propre à Tim Burton qui dans l’imaginaire de l’enfance réintroduit les pensées les plus sombres. Les forêts chatoyantes et les maisons aux architectures absurdes ont subi la folie des hommes. Les plaines s’étendent désolées au second plan. Ce qui semblait être une aire de jeu et de badinages s’est transformé en ruines et misères.

Contrairement à mon attente personnelle, l’effet 3D n’est que peu mis en valeur. Certes les champs ont plus de profondeur et on est toujours surpris lorsque l’on vous envoie des objets en pleine figure. Mais le sentiment d’immersion est peu présent. A vrai dire, cela confirme simplement que la 3D n’est pas une révolution à part entière dans le monde du cinéma. Elle sera utilisée et utile dans grand nombre de divertissements, mais elle n’annule pas le cinéma tel qu’on le connaît.

Mia Wasikowska

L’actrice qui joue Alice, Mia Wasikowska, est tout simplement magique. Somptueuse jeune fille, elle joue avec malice et candeur cette Alice perdue qui revient dans le pays des merveilles. Difficultés des règles de la société, difficultés des choix personnels, elle est désemparée.

Elle retrouve étrangement dans le pays des merveilles la force d’affronter les difficultés en les transcendant par l’imaginaire. Et ainsi de retrouver dans son nouveau cœur d’adulte la force d’affronter la société avec des réflexions d’enfant. Le triomphe de l’âge de l’enfance restera une image essentielle de la métaphore alicienne.

Un scénario mal ficelé

Il fallait en venir au point qui grince, à ce qui empêche, dans ce superbe monde des merveilles, l’apparition d’un film merveilleux.

Le scénario s’appuie en grande partie sur De l’autre côté du miroir. Un roman un peu moins fou que le premier, où la rigueur revient. Et force est de constater que la rigueur est présente. Tous les retournements sont plats et téléphonés. Rien de réellement surprenant, aucune noirceur dans les choix des personnages. Le sentiment d’une fade bouillie familiale est présent à chaque instant.

Johnny Depp joue toujours aussi bien, mais le chapelier fou 2010 est étrangement inintéressant. Bien évidemment, il a vécu l’horreur et ressent la peur, mais pourquoi être aussi neuneu et plat. Et qu’est-ce que c’est que cette scène de danse ridicule à la fin du film. Pourquoi pas non plus une danse de Bollywood et un Happily Married. On est dans Alice au Pays des Merveilles. Que Diable !

Et Anne Hathaway nous prouve une fois de plus qu’elle n’est pas digne de jouer autre chose que la cruche des comédies romantiques pour adolescentes angoissée. Son personnage de reine blanche est complexe et nécessite quelque chose de plus, un grain de folie qu’elle n’a décidemment pas. Ce n’est pas en remuant vaguement les épaules comme une danseuse qu’elle inspire quoi que ce soit.

Quand je parlais des retournements, je parlais de tous les retournements. Tout est fait pour que toute la famille n’ait plus jamais peur ensemble en regardant Alice. Mais on sent que cela ne colle pas. Et pourquoi engager Tim Burton dans ce cas ? Et c’est dommage car à cause de cela tout est décevant. Le film ne devient plus qu’une succession de jolies images, parfois en 3D, avec la belle Mia qui défile devant nous. Rien de plus. Bien dommage.

Un peu de délai dans la mise à jour. Mais je me rattrape avec une critique de l’épisode sur Hugo. Sentiments mitigés, mais la saga continue.

Difficile de passer après « Happily Ever After ». Mais Hugo est un personnage clé de la série. Tour à tour comique, candide et spontané. C’est le contrepoint aux histoires dramatiques des autres passagers. Un peu perdu, suivi par une malchance crasse depuis qu’il a gagné à la loterie, Hugo était toujours là pour nous ramener les pieds sur terre avec humour. Cette semaine, il change de statut. SPOILER ALERT

Dans la réalité X

Hugo ressemble extraordinairement à son alter ego de la réalité connue. Différence fondamentale : il est chanceux. Très chanceux. Après avoir gagné à la loterie, la vie lui sourit. Il possède sa chaine de restaurant, profite de la vie sans se soucier. Tout semble rouler pour lui.

Excepté qu’il n’a pas trouvé l’amour. Thème qui revient cette semaine, en lien direct avec ce qui se passait la semaine dernière pour Desmond.

Et nous savons tous qu’Hurley n’a d’yeux que pour Libby (incarnée par la belle Cynthia Watros qui était absolument géniale dans le Drew Carey Show). Cette romance se passe à merveille et je dois avouer que toute cette partie laissait planer une telle tendresse que, malgré mon cynisme habituel, j’étais conquis. De grosses ficelles, mais un Jorge Garcia qui joue à la perfection et une belle histoire.

Le reste du flash alternatif est pour le coup nettement moins passionnant. Desmond sert de moteur maintenant à l’intrigue. Bien que je l’aime, espérons qu’il ne soit pas cantonné à cela jusqu’à la fin. Et la scène devant le lycée était très moyenne, peu compréhensible, et peu intéressante.

Sur l’île de Lost

C’est selon moi là que l’épisode péchait réellement. Le déroulement des événements sur l’île a un côté de plus en plus nanard qui m’inquiète. Va-t-on oui ou non avancer un peu l’intrigue sur l’île. Le sentiment d’endormissement est de plus en plus présent.

Tout d’abord Ilana et la dynamite. Alors que la blague avait déjà été faite dans la saison 1, avec ce cher Arzt. Et ce qui était drôle il y a six saisons, l’est nettement moins aujourd’hui.

L’engueulade qui se poursuit pour savoir qui fait quoi pourquoi. On se demande si cela va un peu avancer. Surtout que faire sauter l’avion à la dynamite n’est clairement pas ni la seule ni la meilleure solution. Il en existe beaucoup d’autres (le C4 des Autres, la destruction par le feu, la destruction des commandes, …) et cela ralentit fortement le rythme.

Pour finir sur les côtés nanard de l’épisode, les fantômes de l’île. La réponse est cohérente. Mais elle est incomplète et très mal amenée. Enfin, les retrouvailles entre les deux groupes m’ont semblé hyper ridicules.

En espérant que les événements sur l’île s’améliore. On tient le bon bout, et tout le reste tient ses promesses.

Planning tenu. Malgré la fatigue et un léger manque de motivation, j’ai regardé le dernier episode de Lost en date. Desmond est de retour. Et c’est une très bonne chose.

Les fans de Lost l’ont compris depuis longtemps, Desmond est quelqu’un de spécial. Incarnant l’acharnement mais aussi l’incompréhension devant les mystères temporels de l’île, Desmond est un personnage à part dans Lost. Pas vraiment un habitant de l’île, mais pas vraiment non plus un des rescapés ou de ceux qui venaient les chercher.

Et son indéfectible amour pour Penny a longtemps été un des moteurs même de la série. Nous l’avions quitté en bien fâcheuse posture en fin de saison 5. Et nous le retrouvons dans une position non moins enviable. SPOILER ALERT.

Sur l’île

Desmond est en effet le « package » qu’a apporté Charles Widmore avec lui. A priori, il a emmené Desmond avec lui après sa rencontre avec Benjamin Linus sur la marina de Los Angeles. Et M. Widmore a visiblement une bonne idée de ce qu’il compte faire de l’Irlandais. Une superbe expérience électro-magnétique qui doit prouver le caractère exceptionnel de Desmond.

Nanard, mais important !

Sans être exploité cette semaine, le thème du sacrifice est mis en avant. A mon avis, il réserve quelques retournements pour la fin de la saison.

Dans la réalité X

Desmond a tout pour être un homme heureux. Il sort d’un voyage en première entre Sydney et Los Angeles. Il a l’allure de la réussite, et l’argent qui va avec. On apprend rapidement qu’il est homme de confiance pour Charles Widmore. Et il doit s’occuper d’une rock star hystérique, Charlie Pace.

Bien évidemment, cela n’est pas aussi simple. Et plusieurs images viennent se bousculer dans sa tête. Et surtout un nom : Penny. Il ne l’a jamais vu, ne l’a jamais rencontré, mais il lui faut maintenant venir à bout du mystère.

Ayant échoué dans sa mission – ramener Charlie Pace à un gala de charité – il va voir Mme Eloïse Widmore/Hawking. Elle est compréhensive, mais semble surtout cacher quelque chose. Pourquoi n’a-t-il pas le droit de voir la liste des invités ? Pourquoi n’est-il pas prêt ? Que sait Mme Widmore de lui ?

Mais les plus geeks d’entre nous ont surtout apprécié le retour de Daniel Faraday. Tué par la jeune Eloïse Hawking avant l’épisode de la bombe, nous l’avions un peu perdu de vue. Il est maintenant musicien (les scènes de piano reviennent en mémoire). Et il a le béguin pour une archéologue du musée, rousse et qui aime le chocolat. Il a aussi eu un flash ou une vision et rédigé un chahier très complet contenant des notes de physique. Et croit avoir fait sauter une bombe nucléaire. Etrange affaire.

Les (re)trouvailles de Desmond avec Penny sont superbes, sur les gradins du stade de Los Angeles. Et si vraiment, il était heureux après tout.

Une petite pensée pour le personnage du chauffeur qui montre l’extraordinaire gestion des seconds rôles par les créateurs de la série. Traducteur sur le cargo dans la saison 4, souffrant gravement des désordres temporels, Minkowski devient le chauffeur à l’humour gras et un poil libidineux de Desmond. Très bonne trouvaille.

La semaine prochaine, il semblerait qu’Hugo soit à l’honneur.

Des pylones phalliques ?

Après un épisode extrêmement réussi, la tension descend un peu. Une nouvelle transition autour de Jin et Sun, un peu laissés de côté depuis le début de la saison.

Dans la réalité X, nous avons laissé une première fois Jin et Sun à l’aéroport avec des douaniers visiblement contrariés (LA X) puis nous avons laissé Jin juste après sa rencontre avec Sayid dans une arrière cuisine de restaurant (Sundown). On comprend enfin un peu mieux ce qui s’est passé entre ces deux événements que rien ne semblait lier. SPOILER ALERT

Dans la Réalité X

Le contrôle de douane se passe effectivement mal et la grosse somme d’argent liquide que M. Paik a demandé à Jin de transporter est confisquée. Visiblement ni Jin ni Sun ne parlent anglais, ce qui n’aide en rien la situation. Et là première surprise, Jin et Sun ne sont pas mariés dans la réalité X. Est-ce à dire qu’ils n’ont jamais rencontrés Jacob ? Si oui, comment ? Qu’est-ce qui justifie alors leur voyage ensemble ? Jin est-il le garde du corps tombé amoureux de sa patronne ? Comment est-il devenu garde du corps pour M. Paik, alors qu’il travaillait pour lui seulement pour épouser sa fille dans la réalité que nous connaissions ? Un détail d’alliance qui manque et déjà une multitude de questions ; ce n’est que le début.

Après nous avoir concocté une jolie scène romantique, on retrouve Martin Keamy. Profitons en pour noter la belle performance de Kevin Durand. Après avoir un peu surjoué le mercenaire sanguinaire dans la saison 4, il nous fait un très bel assassin de la mafia tout en finesse dans cette saison. Assassin en effet, puisqu’il nous explique (en parlant aux Kwon qui ne pigent rien) que les 25 000 $ transportés par Jin étaient en fait sa prime pour l’exécution de ce dernier. Visiblement leur petit manège d’amoureux était vraiment pas discret. Jolie transposition également de Mikhail, le Russe qui s’occupait des communications de l’île disparu en fin de saison 3, qui revient comme traducteur pour le compte de Keamy. On retrouve rapidement notre arrière cuisine avec Jin retenu prisonnier. Sayid ne reste pas bien longtemps et laisse Jin se dépatouiller avec une petite fusillade rigolote et un peu nanarde.

Un peu plus de bacon ?

Nanar sur l’île

Le nanard est bien présent sur l’île durant cet épisode. Et c’est d’ailleurs ce qui rend la digestion de cet épisode un peu difficile. Alors que la réalité X nous apprenait des choses, sur l’île, les choses bougent finalement très peu. Trois groupes semblent décidés à se lancer dans une petite guerre.

C'est la guerre

John Locke et ses fidèles forment une petite secte bien sympathique. John explique sérieusement à chacun quel est son rôle, ce qu’il doit faire, pourquoi on tient à lui. Et ils suivent bien gentiment. Il essaie même de recruter ailleurs mais ça ne marche pas des masses cette semaine. Scène nanard # 1, l’enlèvement de Jin avec lunettes à vue nocturne et sarbacanes. Bien ridicule.

Night Goggles ! RLY !

Les Losties sont toujours aussi perdu. Que faire ? Qui suivre ? Richard a-t-il des réponses ? Sommes-nous en enfer ? En même temps, ils sont sur la plage, ils mangent des mangues, ils profitent de la vie. Et Richard qui a surmonté sa petite dépression revient motivé comme jamais. Il veut tout faire sauter. Scène nanard # 2, la course ridicule de Sun dans la jungle (un méchant, vite je cours) avec un final « branche d’arbre » proche du scénario nanard ultime, et une conclusion « je ne parle plus anglais mais que coréen » qui doit faire rêver sur Nanarland.

Une Branche d'arbre ? Really ?

Charles Widmore et ses potes ne bougent pas. Ils ont installés leurs petites barrières soniques. Ils ont enlevé Jin (pour a priori des histoires de cartes de poches magnétiques). Ils nous ont ressorti la chambre 23. Et ils n’ont pas peur de Locke. Scène nanard # 3, le moment émotion avec l’appareil photo. Au début j’ai cru à un placement produit (ça aurait été cool pour l’iPad).

Surtout que le plus important est quand même qu’ils ont ramené sur l’île l’un des héros phares. Desmond.

J’avais beaucoup de retard cette semaine. Mais j’ai l’impression que la critique sur l’épisode de Desmond sera là dès demain matin.

Un nanar, un vrai, ce n’est pas si évident que cela. Mauvais qualité d’image, doublage désynchronisé, manque total de cohérence, scénario incompréhensible. Blood Freak, c’est un bon vrai nanar.

Et autant l’avouer tout de suite, c’est du très lourd. La première étape est de trouver plusieurs camarades de bagne. En effet, un vrai nanar se déguste en groupe et/ou avec une quantité substantielle de produits illicites. Deuxième étape, trouver le film. Difficile à se procurer en DVD (chez Something Weird), trouvable en qualité VHS en fouillant un peu. Certains bouts peuvent manquer mais ne vous inquiétez surtout pas, cela n’affecte aucunement la cohérence finale. Troisième étape, savourez une heure vingt de grand n’importe quoi.

Mais de quoi il parle ?

Le choix de Blood Freak vient de son bon classement sur Nanarland. Heureusement, si cela venait du scénario, un tour chez les blouses blanches s’imposait. Tentative rapide d’expliquer un peu ce qu’il se passe.

Alors, voilà, je vais vous dire

Richard – oui en Français on perd la référence à Herschell, réalisateur de nanars – est un motard. Il croise une jeune fille un peu dévote sur l’autoroute et l’aide pour un problème mécanique. Ils se rendent ensemble à une soirée hippie avec force drogue. Richard refuse poliment les drogues proposées. Il se voit proposer par le père de sa nouvelle copine un logement et un travail dans une ferme de dindes (oui de dindes). D’un côté, la sœur de sa nouvelle copine, moins dévote et amatrice de joints, le dragouille allégrement et parvient à lui faire prendre de la drogue. Il devient accroc au bout d’une heure et cela l’énerve un peu. De l’autre côté, il est vite embauché par les scientifiques de la ferme pour être cobaye et manger du dindon. Et là, le drame (non, non, le drame n’a toujours pas eu lieu) il se transforme en dindon meurtrier assoiffé du sang des toxicomanes en ville. En tant que vétéran du Vietnam, il avait déjà prix des drogues et ses vieilles blessures se sont rouvertes. L’homme-dindon, vous avez bien entendu. Je laisse la fin du film qui est encore plus nanarde que le début, comme quoi c’est possible.

Et ça parle aussi de dinde

Si vous êtes perdu, c’est bon signe. C’est d’ailleurs pour cela qu’au début du film, le réalisateur nous présente un peu l’histoire en nous parlant de catholiques à tout bout de champ. Et tout de suite tout s’éclaire, ou pas.

Doublage, vous avez dit doublage.

Le film s’apprécie vraiment dans sa version française. A tous les amateurs de la langue de Shakespeare, vous ne perdrez rien des dialogues, j’oserai même prétendre que vous y gagnerez. Un nanar de cette trempe se doit de proposer de vrais doublages, au niveau du film. C’est le cas. Je dois dire que plusieurs fois durant le film, j’ai cru qu’il s’agissait d’un faux doublage tellement c’était parodique.

"Dis moi, tu m'aimes ?" "Oui"

Jamais synchronisé, toujours monocorde (et vous pensiez que seuls les acteurs jouait mal), a priori mal traduits et souvent sans aucun sens, les doublages sont un pur bonheur. La bande son du film est déjà un chef d’œuvre en soi.

Ma réplique culte :

« Ecoute petit, on est avec toi ! Si tu nous aides, nous on t’aide aussi. »

Sur un ton lent, monocorde et sans aucun rapport avec le film. Parfait, juste parfait.

"Et je lui fais pouet pouet camion" "Une autre, une autre"

Bien évidemment

Tout ce qui tient à la réalisation est foireux. La caméra n’est jamais droite et les plans sont extrêmement mal fichus. Les acteurs jouent très mal. Et la plupart des montages n’ont ni queue ni tête.

Mais tout ceci n’a aucune importance. Car le n’importe quoi n’a aucune limite. Ce film rentre déjà comme un de mes préférés et pour longtemps je pense.

PS: Je n’ai pas trouvé la bande annonce française en ligne. Mais je vous conseille encore et toujours la VF !

Doutes et Craintes

Gros retard sur le visionnage de Lost. J’ai réussi à maintenir le suspense, malgré un entourage de fidèles aux aventures des Losties. D’autant que cette semaine portait sur Richard Alpert et ça ne pouvait être que bien.

Malgré l’importance fondamentale de Richard dans le bon fonctionnement des affaires de l’île, il n’avait eu droit qu’à un épisode sur lui auparavant, dans la cinquième saison. L’injustice est maintenant réparée. Sans rien apprendre de terriblement nouveau, nous voyons maintenant les choix de Richard et comment il est devenu « conseiller » de Jacob. Il est évident que l’on parlera surtout de Jacob et de sa némésis… SPOILER ALERT

Contrairement aux 8 premiers épisodes, nous n’avons pas ici de flashsideways. En effet, Richard n’a a priori pas vécu le même flashsideway que ses camarades (quoique cela n’est absolument pas démontré). Et l’épisode 9 revient aux fondamentaux, à savoir le flashback et la continuité des choix. L’introduction de l’épisode sonne en écho à tous ceux qui suivent la série depuis un peu de temps. Richard annonce son désespoir. Pour lui, nous sommes bien en enfer. Mais alors que les références à Huis Clos se pressent dans nos têtes, on va vite comprendre que c’est plus complexe que cela.

A l'heure du premier choix

Tout commence en 1867. Ricardo est un pauvre paysan de Ténérife (qui, malgré tous les efforts de la production, ne ressemble pas à Hawaï, mais on leur passe cela). Une scène d’introduction pas vraiment palpitante nous montre son double choix et ses conséquences. Il veut sauver sa femme mais n’en a pas les moyens. Le médecin verreux est mort, sa femme également. Alors qu’il doit être pendu, et qu’un prêtre qui croît peu en la rédemption lui refuse le sacrement du pardon, il est « sauvé » miraculeusement par un marchand (on voudrait dire d’esclaves, mais c’est visiblement autre chose), qui cite le nom de Hanso.

Comme l’on s’en doutait un peu depuis pas mal de temps, Richard est arrivé avec le Black Rock. Il y était bien enchaîné. L’arrivée du Black Rock est extrêment mystérieuse, mais si c’est bien Jacob qui les fait venir, pourquoi pas. Il a finalement fait venir d’autres bâteaux et même un avion, alors un navire dans la jungle…Le supplice de Richard est bien joué (bravo à Nestor Carbonell, parfait durant tout l’épisode) mais apprend toujours aussi peu.

Mais c'est quoi ce bordel ?

Le nœud de cet épisode est bien évidemment le combat que semblent se livrer l’Homme en Noir (MIB) et Jacob pour le contrôle de ce pauvre herre de Richard. Entre ce qui semble un jeu de MIB (avec en particulier l’étrange apparition de la Isabella morte) pour appâter Ricardo et les métaphores bidons de Jacob, j’avoue que je n’aimerai pas être à sa place et faire un choix. La némésis semble sincère et met les choix de Ricardo à un autre niveau que celui du bien et du mal. Jacob est plus pragmatique tout en étant plus discret sur ses propres motivations. Alors que l’on s’attend à un combat manichéen, on sent que la réflexion va plus loin. Libre-arbitre et détermination. Choix et conséquences. Mais dans quel but ? Cette histoire de bouteille et démon semble bien faible et caricaturale pour faire échouer des bâteaux. Y-a-t-il même un sens à tout cela ? Et que viennent faire alors les Candidates dans l’histoire ?

Je bois sur la plage toute la journée, bon job

La fin de l’épisode avec Hurley en traducteur des morts est très émouvante. Depuis quelques semaines, l’homme en noir perd de possibles supporters (on sent Sawyer peu loyal et Richard va finalement préférer Jacob) mais cela est-il vraiment une bonne chose ?

Malgré un évident manque de lien et des incohérences manifestes, cet épisode en apportant une belle touche de mélancolie et d’amour, dévoile des points clés pour la suite. L’un des meilleurs épisodes de la saison. So far.